En los últimos años, la evolución de la tecnología se ha acelerado enormemente. Esto ha permitido que en muy poco tiempo hayamos podido ser testigos de grandes cambios que han afectado a distintos aspectos de nuestra vida, como a la forma de comunicarnos, de informarnos, de trabajar, de desplazarnos y un largo etcétera.
Hoy en día, la tecnología doméstica no se reduce al teléfono móvil, la tablet, el ordenador y la Smart TV, sino que estamos rodeados de infinidad de dispositivos conectados que nos hacen la vida más fácil. Sin ir más lejos, en la actualidad ya podemos controlar con la voz buena parte de los aparatos del hogar y de las funciones del coche, los electrodomésticos tienen WiFi integrado para ofrecernos funciones adicionales y van surgiendo nuevos dispositivos para llevar a cabo todo tipo de tareas.
La rápida evolución tecnológica ha provocado grandes cambios en nuestra vida en muy poco tiempo. Si echamos la vista atrás, no hay que retroceder demasiado para apreciar cómo ha modificado la tecnología nuestro día a día, y si pensamos en cómo era nuestra rutina hace tan solo diez años encontramos importantes cambios.
Como decíamos en la introducción, los cambios tecnológicos no solo afectan a los adultos, sino también a los niños, y si comparamos nuestra infancia con la de un bebé nacido en los últimos años encontramos grandes diferencias. Por ello, en este reportaje abordamos cómo ha cambiado la tecnología los primeros años de vida de un bebé y el impacto que puede tener tanto en los niños como en los padres.
Tecnología antes del nacimiento: las ecografías 5D
Los primeros cambios que la tecnología supone para el bebé tienen lugar antes de que se produzca el nacimiento. Y es que, gracias a los avances en la tecnología de diagnóstico por imágenes, en posible observar al feto ya no solo a través de las ecografías 2D convencionales, sino de una manera más realista mediante las ecografías 3D, 4D y 5D.
Una ecografía es un procedimiento de diagnóstico por imágenes que utiliza ultrasonidos (ondas sonoras de alta frecuencia) emitidos por un transductor para observar el interior del cuerpo. Uno de los usos más habituales de la ecografía es la observación del estado del feto, y permite no solo que el ginecólogo pueda realizar un seguimiento de la evolución del niño y descartar problemas morfológicos, sino también que los futuros padres puedan ver a su futuro bebé y escuchar su corazón.
Las ecografías convencionales que realiza el ginecólogo de manera rutinaria nos muestran al feto en 2D. En España, salvo que haya algún problema, la Seguridad Social realiza tres ecografías durante el embarazo, una por trimestre: a las 12, 20 y 34 semanas. No obstante, si tienes un seguro médico privado puedes ver a tu bebé cada mes en la visita de seguimiento, y también es posible contratar el servicio con clínicas privadas siempre que los padres lo deseen.
En los últimos años se han popularizado las ecografías que van más allá de las dos dimensiones. Las ecografías 3D, 4D y 5D ofrecen una visualización tridimensional del bebé bastante realista, lo que permite a los padres cumplir antes del nacimiento uno de sus mayores deseos: ver la carita de su futuro hijo.
Los avances en esta tecnología de diagnóstico han permitido que las ecografías traspasen la barrera de las dos dimensiones. Hace algunos años se popularizaron las ecografías 3D, que permiten ver una imagen estática del feto en tres dimensiones, y luego las ecografías 4D, mediante las que se puede observar al niño en tres dimensiones y en movimiento.
El último grito son las ecografías 5D, que muestran al feto en movimiento en tres dimensiones, pero con una resolución mayor que las 4D. Este tipo de ecografías se pueden realizar en centros privados a un precio que está al alcance de muchos bolsillos (es posible encontrar opciones desde unos 50 euros), motivo por el que muchos padres no se resisten y realizan esta prueba para ver la carita de su bebé.
¡Hola mundo! La presentación digital del bebé
Desde la popularización de los smartphones, una de las primeras cosas que un bebé puede ver al nacer es la cámara del teléfono móvil de sus padres. Los progenitores están deseosos de capturar este momento tan especial, por lo que, si el parto ha ido bien y no ha habido ningún problema, seguramente tomarán la primera fotografía del niño a los pocos minutos del nacimiento. Guardarán esta imagen para la posteridad y probablemente la enviarán a familiares y amigos a través de WhatsApp para que puedan ver al bebé.
El deseo de inmortalizar a su hijo a través de fotos o vídeos es común a la mayoría de los papás desde que existe la posibilidad técnica de hacerlo. Lo que sucede en la actualidad es que, gracias a las cámaras integradas en los teléfonos móviles y a las amplias soluciones de almacenamiento digital, hoy en día resulta más fácil que nunca capturar y guardar estas imágenes. Debido a esto, un niño nacido en los últimos años podrá revisar en el futuro miles de fotos y vídeos (sin exagerar) de su desarrollo, desde el mismo momento en el que llegó al mundo.
Pero la cosa no queda ahí. Además del enorme incremento de los contenidos multimedia en los que el bebé es el protagonista, otro de los cambios que la tecnología ha provocado en los primeros años de vida de los niños es la exposición de su imagen en las redes sociales. En muchos casos, los orgullosos padres no pueden resistir la tentación de compartir las fotos y los vídeos de su retoño en Facebook, Instagram o Twitter, por lo que las imágenes del bebé están online en sus primeros días o meses de vida.
De hecho, de acuerdo con una encuesta de la compañía de ciberseguridad AVG, el 81% de los bebés menores de seis meses tienen presencia en las redes sociales. Y esto no es todo: el 5% de los niños menores de 2 años tiene perfil en Facebook o una cuenta propia de correo electrónico.
La exposición de los menores en las redes sociales y sus posibles consecuencias negativas ha generado un intenso debate en los últimos años, he incluso se ha acuñado el término sharenting, un anglicismo que resulta de la combinación de sharing (compartir) y parenting (crianza), para denominar la tendencia de muchos padres a publicar en las redes sociales fotos y vídeos de sus hijos de manera habitual. Nos detendremos a explicar el sharenting a fondo un poco más adelante, en el apartado dedicado a los aspectos negativos de la relación de los bebés con la tecnología.
Interesante vigilabebés que destaca por su relación calidad-precio. Cuenta con cámara nocturna, pantalla HD de 3,2 pulgadas y batería de larga duración. Es multifunción: permite ver y hablar con el bebé, reproducir nanas o controlar la temperatura.
Cuidados del bebé: la tecnología al servicio de los padres
La tecnología no se reduce únicamente a teléfonos móviles y redes sociales. En el ámbito de los cuidados del bebé, los dispositivos electrónicos se ponen al servicio de los padres para echarles una mano y hacer un poco más llevadera la ardua tarea de la crianza de su hijo.
Uno de los grandes objetos de la tecnología es hacer la vida más fácil a los usuarios, y los accesorios y gadgets para bebés que hay en el mercado pueden ser una ayuda inestimable. Estas herramientas brindan un apoyo en todo tipo de tareas, desde las atenciones básicas, como la preparación del biberón, la extracción de leche materna o la medición de la temperatura o del peso del bebé, hasta otro tipo de cuidados relacionados con el sueño, el entretenimiento o el desarrollo del niño.
Por ejemplo, a muchos bebés les cuesta conciliar el sueño, lo que hace que los padres pasen horas y horas paseándolos en el cochecito o meciéndolos en los brazos, sin conseguir que el niño se duerma. Para hacer esta tarea más sencilla, hay infinidad de hamacas, mecedoras o columpios con movimiento automático y vibración, especialmente desarrolladas para favorecer el sueño, o muñecos de peluche que emiten ruido blanco, que permite que los niños se calmen y se duerman.
Hay otros dispositivos que también resultan muy prácticos a los padres, entre ellos los vigilabebés, esterilizadores, calienta biberones, extractores de leche, juguetes con luz y sonido, proyectores o básculas, entre otros muchos ejemplos. Si quieres conocer más detalles de lo que pueden ofrecer los dispositivos electrónicos en los cuidados del bebé, en este artículo te mostramos los 10 gadgets tecnológicos que como padres primerizos necesitaréis en casa.
Esta hamaca para bebé ofrece cinco movimientos diferentes y cinco velocidades para imitar los movimientos que hace la mamá al mecer al niño. Cuenta con conectividad Bluetooth para controlarla con el móvil, tiene sonidos integrados y entrada MP3.
La relación de los bebés con la tecnología: aspectos positivos y negativos
La tecnología ha supuesto importantes cambios en los primeros años de vida de los bebés, algunos positivos y otros negativos. En los últimos años, investigadores de todo el mundo han llevado a cabo diversos estudios para analizar el impacto de la tecnología en los niños, con el objetivo de fomentar un uso adecuado e informar a los padres de sus peligros y beneficios.
A continuación vamos a repasar algunos de los aspectos positivos y negativos de la relación de los bebés y la tecnología.
Beneficios que la tecnología aporta a la vida de los bebés (y de sus padres)
A nuestro juicio, uno de los principales aspectos positivos que la tecnología aporta a los niños (y sus padres) en los primeros años de vida es que puede facilitar y simplificar muchas tareas que antes resultaban más complicadas y tediosas. Como decíamos en el punto anterior, hoy en día tenemos a nuestra disposición un amplio abanico de dispositivos que ayudan a los progenitores a alimentar al niño, calmarle, dormirle, entretenerle o estimularle, lo que es de agradecer.
Esto no significa que los padres puedan delegar en los dispositivos la tarea en cuestión (por ejemplo, las hamacas automáticas se tienen que utilizar con supervisión), sino que son una herramienta más que los padres pueden utilizar y que les hacen la vida más fácil.
Por otra parte, otro aspecto que resulta positivo es la posibilidad de documentar la vida de una persona desde su nacimiento, siempre y cuando este material se conserve en el ámbito privado y familiar. Los niños de ahora pueden ver cómo ha sido su crecimiento desde el momento en el que nacieron gracias a las fotos y los vídeos tomados por sus padres. De esta forma podrán revivir grandes acontecimientos de su vida de los que no tienen recuerdo, como sus primeros pasos, su primer cumpleaños, su primera vez en la playa, etc.
En tercer lugar, otro beneficio de la tecnología para los padres es el acceso a la enorme cantidad de información que ofrece Internet. Gracias a ella, los progenitores pueden buscar y comparar diferentes opciones educativas y de crianza, compartir consejos con otros padres o consultar opiniones de pediatras y expertos, por poner algunos ejemplos. Eso sí, hay que tener presente que la información de la Red puede llevar a confusión en ocasiones, de manera que ante cualquier duda, especialmente si está relacionada con la salud del bebé, lo mejor es consultar al médico del pequeño.
Cubo para desechar pañales que evita que el mal olor y las bacterias salgan al exterior. Envuelve cada pañal en un film de manera individual, por lo que se desechan de manera higiénica, cómoda y sencilla.
Peligros de la relación de los bebés con la tecnología
No obstante, en la relación de los bebés y la tecnología no todo son luces, y existen muchos aspectos negativos que pueden afectar al correcto desarrollo de los pequeños.
El primero de ellos que vamos a abordar ya lo hemos mencionado anteriormente: el sharenting. Se denomina así al uso habitual de las redes sociales por parte de los padres para compartir la vida de sus hijos a través de imágenes, vídeos y otros contenidos, creando una huella digital sin el consentimiento de los pequeños.
Tal como explican desde Pantallas Amigas, la iniciativa española que promueve el uso seguro y saludable de las nuevas tecnologías en la infancia y adolescencia, el sharenting presenta una serie de riesgos que ponen en peligro a los niños: falta de privacidad, riesgo de ciberbullying cuando crezcan, riesgo de mal uso de sus datos, grooming o acoso por parte de otro adulto a través de las redes, o exposición a los pedófilos.
Aunque desde Pantallas Amigas no recomiendan la publicación de contenidos de los menores en las redes sociales, aconsejan a los padres que decidan hacerlo que no creen una cuenta propia a los niños para evitar el uso de sus datos por parte de las grandes empresas tecnológicas, que los peques aparezcan siempre vestidos, que se evite compartir imágenes que puedan avergonzar en el momento actual o en el futuro, que se oculte su rostro para respetar su privacidad o que nunca se dé la localización del niño en las publicaciones.
Pero el sharenting no es el único peligro que la tecnología supone para los menores. La relación de los bebés y niños pequeños con los teléfonos móviles, tablets y otras pantallas está totalmente desaconsejada tanto por la Organización Mundial de la Salud como por los especialistas. Y es que, en los últimos años, ha proliferado el uso de las pantallas a modo de niñera para que los peques estén entretenidos y no "molesten".
El pasado mes de abril, la OMS publicó una serie de nuevas directrices sobre la actividad física, el sedentarismo y el sueño para niños menores de cinco años, donde deja claro que hasta los 24 meses no se debe exponer a los bebés a ningún tipo de pantalla. A partir de los dos años y hasta cumplir los cuatro no deben dedicar más de una hora al día a actividades frente a una pantalla, y recuerdan que cuanto menos tiempo pasen utilizando estas tecnologías, mejor que mejor.
Estas recomendaciones de la OMS son apoyadas por los especialistas, que consideran que lo mejor es que los niños no utilicen el teléfono móvil, la tablet o cualquier otro tipo de pantalla en la primera etapa de su vida, al menos hasta los seis años.
Álvaro Bilbao, doctor en Psicología y neuropsicólogo, es uno de los expertos que defienden esta práctica. En su libro El cerebro del niño explicado a los padres, una guía que enseña a los progenitores cómo pueden ayudar a sus hijos a desarrollar su potencial intelectual y emocional, señala que el uso de los dispositivos electrónicos como móviles, tablets y ordenadores no es beneficioso durante los primeros seis años de vida de los niños, ya que tiene consecuencias negativas para su correcto desarrollo.
En su libro, el Dr. Bilbao expone que los dispositivos electrónicos proporcionan a los bebés y niños pequeños una sobreestimulación nefasta para su capacidad de atención, su aprendizaje y su comportamiento. El uso de teléfonos móviles, tablets, ordenadores y otro tipo de pantallas ofrece estímulos muy intensos, acaparando por completo la atención del niño, y la velocidad a la que llega la satisfacción es muy rápida, por lo que el pequeño corre el riesgo de perder la ilusión por todo lo demás.
Termómetro médico infrarrojo para medir la temperatura en la frente y el oído, especialmente recomendado para su uso con bebés. Su sensor ofrece lecturas con una precisión de ± 0.3 ˚C en tan solo un segundo.
Para reforzar su argumento, Bilbao señala que muchos de los ejecutivos de las grandes empresas de tecnología no permiten a sus hijos exponerse a las pantallas. Steve Jobs no dejó a sus hijas de 15 y 12 años usar el iPad, y que Bill Gates tampoco permitió que sus hijos tuvieran ordenador durante su infancia. Además, indica que la American Academy of Pediatrics recomienda que los menores de seis años no usen pantallas, y que la Clínica Mayo desaconseja su uso para prevenir el déficit de atención.
Investigadores han logrado crear una tinta que cambia de color y que nos permitirá personalizar cualquier objeto con tan solo aplicarla y dando una luz concreta.
Un equipo de investigadores del MIT ha inventado una tinta reprogramable que nos permitirá pintar prácticamente cualquier patrón sobre una superficie utilizando un proyector y luz ultravioleta.
Los investigadores, al combinar los tintes cian, magenta y amarillo que reaccionan a la luz, han logrado crear un spray llamado PhotoChromeleon que lo podemos aplicar sobre cualquier superficie, como pueden ser zapatos, carcasas de móviles o incluso vehículos.
Después se hace uso de un proyector ultravioleta que puede programar combinaciones de colores en la superficie de dichos objetos, en un proceso que tarda entre 15 y 40 minutos. Esta tinta reprogramable también nos permitirá reemplazar cualquier diseño existente por uno completamente nuevo, y así hasta una infinidad de veces.
Lo bueno de esta tinta es que nos permitiría cambiar el color de las carcasa de nuestros móviles, de los zapatos o incluso de nuestro coche sin necesidad de ir a un taller o a una tienda, lo que al final nos ahorraría bastante dinero y tiempo.
Evidentemente se trata de una tinta experimental que no va a salir a la venta, pero es un paso más allá para permitirnos personalizar cualquier objeto a nuestro gusto sin necesidad de tener que comprar otro solo por el tema del color.
Un niño colombiano de ocho años se convirtió en el protagonista inesperado del segundo concierto en Bogotá del violinista y director de orquesta holandés André Rieu, que lo invitó a subir al escenario y este sábado recibe comentarios elogiosos en las redes sociales.
El momento de fama del menor Daniel Sanabria Torres tuvo lugar la noche del viernes en el Movistar Arena durante una interrupción de hora y media del concierto debido a una falla técnica, que el público esperó ordenadamente y cantando a que fuera solucionado.
Durante la espera las pantallas mostraron entre el público a un niño que desde la grada del segundo piso interpretaba canciones populares latinoamericanas con una flauta traversa, lo que no pasó desapercibido para Rieu.
Antes de que se resolviera el problema técnico, que según explicó Rieu es la primera vez que le sucede en 30 años que lleva presentándose en todo el mundo, volvió al escenario con su Orquesta Johann Strauss e invitó al niño a acompañarlos.
El pequeño subió entonces a la tarima acompañado por su madre y el maestro holandés lo tomó de la mano y lo condujo al centro del escenario entre aplausos del público y de los propios músicos.
Enseguida, Rieu dirigió a la orquesta, toda de pie y sin micrófonos, en la interpretación de "Cielito lindo", con el niño a su lado acompañándolos con la flauta.
"Fue chévere (bonito) porque yo lo escucho en el computador y me gusta mucho su música", dijo a Efe el pequeño sobre la "inolvidable experiencia" de tocar al lado del artista de Maastricht.
El niño contó que estudia música en el Instituto Paulo Freire y su asistencia al concierto fue un regalo sorpresa de sus padres.
Otro momento memorable del concierto ocurrió en la parte final cuando las pantallas mostraron a dos monjas entre el público, una de las cuales no se resistió a la emoción y se levantó de su asiento para danzar el vals "El Danubio azul" con un hombre que estaba a su lado, actitud que el público premió con una ovación a la religiosa.
Según explicó en un comunicado el Movistar Arena, la interrupción del concierto, el segundo de los cuatro de André Rieu y su orquesta en Bogotá, fue causado por "una falla técnica en el seteo de los equipos del artista".
La organización agradeció el apoyo y respeto con el que el público soportó la espera, así como "la entrega del artista", que manejó con su habitual y refinado sentido del humor la situación, lo que hizo que el concierto, a pesar del incidente, "fuera inolvidable".
Gracias al Tokyo Game Show 2019 hemos tenido la ocasión de ver en profundidad la jugabilidad de Death Stranding con un extenso gameplay de 50 minutos. Pese a que la duración ya era bastante elevada, Hideo Kojima ha preparado un nuevo vídeo para mostrarlo en la popular feria japonesa, lo que nos ha dejado con un gameplay de 30 minutos.
En el caso de que os apetezca verlo, esta vez os encontraréis con todas las posibilidades que ofrece una habitación en la que se puede relajar Sam Bridges. Ahí, mientras el permanezca sentado, podremos desplazar la cámara en distintas direcciones para que el personaje de Norman Reedus nos trate como si fuéramos otra persona.
Esto se notará en que no nos perderá de vista en ningún momento y, dependiendo desde donde le apuntemos se pondrá a realizar unos gestos u otros. De hecho si apuntamos directamente a sus partes íntimas se pondrá de pie y dará un puñetazo bien fuerte a la pantalla. Desde luego está claro que no se andará con tonterías.
Otra de las funciones la encontraremos en el espejo, desde el que podremos tomar fotos mientras Sam pone caras muy cómicas para así enviarlas online y que el resto de usuarios las puntúen. Por otro lado, desde aquí se podrá distribuir el espacio del interior de la mochila, elegir su color o el de las gafas o incluso también podremos elegir cómo lucirán las paredes de la habitación.
Independientemente de las ganas que tengáis de haceros o no con el juego después de todo esto, su lanzamiento se producirá el 8 de noviembre en exclusiva para PS4.
La música es un recurso muy efectivo para intensificar las imágenes de tus vídeos, por lo que es un recurso que seguro que necesitarás incluir en tus vídeos y proyectos. Te mostramos las mejores páginas para descargar música gratuita y libre de derechos para tus vídeos.
El principal inconveniente es que esta música ha sido creada por unos autores que, como todo hijo de vecino, debe pagar su hipoteca, alquiler y demás facturas, y quiere hacerlo con el rendimiento económico de su trabajo y no con likes o me gusta en una red social. Algo perfectamente legítimo.
Sin embargo, algunos de estos autores, han liberado piezas de su creación para que cualquiera pueda integrarlas en sus creaciones sin tener que pagar un euro por ellas, por lo que puedes descargar toda esta música gratis y de forma legal para usarla en tus propios vídeos.
Las páginas que hemos seleccionado a continuación son el equivalente en música a los bancos de imágenes, por lo que en sus fondos de contenido pueden encontrarse piezas libres de derechos, otras con licencias limitadas de obligada mención al autor y otras por las que directamente tendrás que pagar un determinado precio.
Por ello, es importante fijarse en el tipo de licencia a la que está sujeta cada pieza musical, y respetar los términos de esa licencia para no tener problemas legales más adelante.
Las mejores páginas para descargar música gratuita y libre de derechos para tus vídeos
Creative Commons: una licencia libre de pago, pero no de obligaciones
Las licencias Creative Commons son, en su inmensa mayoría de casos, de uso gratuito para usuarios privados y únicamente se encuentran limitaciones de uso gratuito a la hora de hacer un uso comercial de esa pieza.
Es decir, si la licencia prohíbe su uso comercial, podrás usarla como banda sonora para tus vídeos familiares, pero no para acompañar un anuncio de tu empresa o para añadirlo a un trabajo para tus clientes.
Las canciones o piezas musicales sujetas a licencias de uso personal o privado Creative Commons son gratuitas, pero tienen asociadas determinadas obligaciones. La más habitual es la de asignación del autor.
Esto significa que, aunque no tengas que pagar por la música que has incluido en un anuncio promocional para tu negocio o en el vídeo de tus vacaciones, sí debes mencionar al autor en los créditos.
Biblioteca de música de YouTube
YouTube es la mayor plataforma de vídeo que existe, y durante años ha ido añadiendo funciones y herramientas para facilitar el trabajo de creación de vídeo a sus usuarios. Por ello, si tu vídeo va a acabar en YouTube, puedes usar la Biblioteca de música y sonidos que YouTube pone a disposición de los usuarios de forma gratuita.
Para acceder a esta plataforma solo tienes que iniciar sesión en tu cuenta de YouTube e ir a tu YouTube Studio. Allí, en el panel lateral izquierdo, buscar la opción Otras funciones y elegir Biblioteca de audio.
Descargar canciones de YouTube es muy sencillo. En internet tienes a tu disposición infinidad de páginas que te permiten descargar canciones y música de YouTube sin programas. Como son muchas, hemos seleccionado para ti las mejores alternativas. ¡Toma nota!
En este apartado se listarán un buen número de piezas musicales y efectos de audio gratuitos y libres de derechos que te servirán para ambientar tus vídeos sin que incumplan ninguna de las políticas de uso en términos de derechos de autor de YouTube. Bastará con descargar la pieza y añadirla a tu vídeo.
También puedes acceder a la biblioteca de música de YouTube desde este enlace.
Jamendo
Si hablamos de música libre de derechos, una de las más populares y representativas es Jamendo, aunque más que una página web que se encargue de recopilar música libre de derechos de autor puede considerarse como una comunidad en la que vas a encontrar una enorme variedad de música gratis para tus vídeos.
Toda la música del catálogo de Jamendo se encuentra bajo licencia Creative Commons, por lo que podrá ser usada sin límite y de forma legal en tus proyectos de vídeo personales siempre que incluyas una mención de su legítimo autor.
Si necesitas música para un vídeo de uso comercial, Jamendo incluye una sección dedicada a ello, pero en este caso la descarga de música no será gratuita, aunque tiene unos precios muy asequibles y que, una vez adquirida, podrás usar con todas las garantías legales en tus vídeos.
El catálogo de estilos de música y canciones es realmente grande con más de 200.000 pistas a tu disposición. No en vano nos encontramos ante una de las comunidades de músicos y creadores musicales más numerosas.
Para más información, visita la página oficial de Jamendo.
Free Music Archive
Otra de las recomendaciones que no podemos pasar por alto a la hora de encontrar música gratis para tus vídeos es Free Music Archive.
En esta web podrás encontrar un gran catálogo de canciones bajo licencia Creative Commons perfectamente clasificadas por género, lo cual facilita mucho la tarea de búsqueda de música.
Toda la música se puede descargar gratis, pero su licencia obliga a hacer mención al artista en los créditos de tus proyectos de vídeo.
Los servicios de música en streaming, como Spotify, Tidal e incluso YouTube integran su propio reproductor de música. Pero si eres un amante de la buena música lo mejor es optar por un reproductor de música local. Estos son los mejores reproductores de música gratis para Windows 10
Desde Free Music Archive puedes descargar gratis canciones sueltas o, si te gusta la obra de un determinado artista, descargar un álbum completo.
Para más información, visita la página oficial de Free Music Archive.
Musopen
Si necesitas música clásica libre de derechos y gratuita, Musopen puede ser el banco musical que necesitas.
En este archivo de música clásica no solo dispones de un buen fondo de piezas de música clásica que puedes buscar por compositor, instrumento o temática, también puedes descargar las partituras de las piezas para interpretarlas tú mismo.
La música de Musopen está sujeta a licencia Creative Commons por lo que la descarga de música es gratis, y mucha de ella son obras clásicas, por lo que tampoco es será necesaria la mención por ser de dominio público.
Existen muchas páginas con música online gratis para escuchar, de forma legal. Millones de canciones que se ofrecen utilizando diferentes métodos. Repasamos las mejores páginas con música online gratis para escuchar.
La versión gratuita de Musopen permite descargar hasta 5 canciones al día, si necesitas más material sonoro deberás pagar una cuota de suscripción.
Para más información, visita la página oficial de Musopen.
Dig.ccMixter
Otra web interesante si estás buscando música gratuita y libre de derechos para tus vídeos es Dig.ccMixter.
En esta página encontrarás miles de horas de música que podrás incorporar a tus proyectos. La mayoría de ellas pueden ser descargadas de forma gratuita para ser usadas en tus vídeos personales, e incluso en tus proyectos comerciales.
No obstante, conviene revisar el tipo de licencia para asegurar que su autor permite el uso comercial de la obra o en qué condiciones permite su uso personal.
Plataformas como YouTube en la que cualquiera puede hacerse un canal propio, se enfrentan a un gigante difícil de controlar, las violaciones de los derechos de autor. YouTube ha sido muy criticado por la forma de reclamar esos derechos y por eso han decidido renovarlo con nuevas funciones.
La web clasifica el contenido por posibles usos entre los que se encuentra música instrumental para vídeos, música para anuncios e incluso una sección de música para incluir en tus videojuegos.
Para más información, visita la página oficial de Dig.ccMixter.
Bensound
Bensound es una página web en la que encontrarás miles de canciones y temas musicales gratis y libres de derechos para tus proyectos de vídeo.
Es una página muy fácil de usar y en la que resulta sencillo encontrar el estilo de música que buscas para tus vídeos gracias a su eficiente clasificación por etiquetas.
Cada pieza musical se presenta en una “caja” con una foto y una breve descripción del estilo o instrumentos que aparecen en la pieza. De ese modo, es más fácil elegir la música correcta para tus vídeos.
Tanto si has editado un vídeo casero a través de YouTube, como si tienes uno en tu página personal de tu canal que es un poco soso, puedes mejorarlos agregándoles alguna de las músicas de la biblioteca del propio portal.
Además, cada una de estas cajas cuenta con un reproductor de audio, por lo que puedes escuchar una muestra de la canción antes de descargarla. Antes de hacerlo. La página te muestra con todo detalle para qué proyectos puedes usarla y para cuáles no.
Si tu proyecto se encuentra entre los no permitidos, puedes ampliar la licencia de uso pagando una determinada cantidad para cubrir los derechos de autor.
Para más información, visita la página oficial de Bensound.
Purple Planet Music
Nuestra última recomendación en esta selección de las mejores páginas para descargar música gratuita y libre de derechos para tus vídeos es Purple Planet Music.
Cada una de las canciones o piezas musicales que encontrarás en esta página dispone de tres licencias o formas de uso diferente: libre, estándar o de transmisión.
Si vas a subir tus propios vídeos personales a YouTube o solo quieres una banda sonora para tus vídeos familiares, podrás descargar gratis la mayor parte de la música sin mayor problema ya que se encuentra incluido dentro de la licencia libre con la correspondencia mención al autor.
Así los lunes son menos lunes es un podcast semanal de ComputerHoy.com en el que repasamos la actualidad tecnológica y lo que está por venir. Suscríbete y escúchanos cada lunes en tu aplicación de podcasts favorita.
En cambio, si la música elegida va a ser usada con fines de lucro o comerciales, deberás comprar una licencia extendida para ampliar la cobertura legal. En cualquier caso, la ampliación de esta licencia se ofrece por un precio muy ajustado.
El contenido de la página se clasifica por “sensaciones” pudiendo encontrar categorías de música alegre, emocional, tensa, soñadora, etc. Esto hace que resulte muy sencillo seleccionar la música adecuada para el tono anímico que quieras darle a tu vídeo.
Para más información, visita la página oficial de Purple Planet Music.
Paleontólogos han descubierto un nuevo dinosaurio en la forma de un reptil volador tan grande como un avión y que hace millones de años sobrevolaba los cielos de lo que es ahora Canadá.
Una nueva especie de pterosaurio, es decir un reptil volador, ha sido descubierto en las tierras de Canadá, ya bautizado como “Cryodrakon boreas", o "Dragón congelado del norte" si lo traducimos al castellano.
Si bien su nombre parece sacado de la mismísima Juego de Tronos, y por su aspecto también podría ser protagonista de uno de esos grandes enfrentamientos, lo cierto es que estamos ante una especie de cigüeña reptil del tamaño de una jirafa.
Este dinosaurio podía llegar a medir hasta 4 m de altura y alcanzar una envergadura máxima de hasta 9 m, con lo que en sí era uno de los reptiles voladores más grandes que podían encontrarse en dicho periodo Cretácico, hace unos 77 millones de años.
Crédito de la imagen: David Hone
Este dinosaurio curiosamente no contaba con aparato para masticar a pesar de ser carnívoro, y tenía que alimentarse de animales lo suficientemente pequeños como para poderlos tragar de golpe, posiblemente pequeños mamíferos, crías de otros dinosaurios o lagartos de la época.
Como era habitual en este tipo de pterosaurio, el Cryodrakon boreas tenía proporciones asimétricas, lo que le hacía contar con un cuello bastante largo, enormes alas y una cabeza que era 3,5 veces más larga que su cuerpo.
A pesar del nombre castellanizado al estilo de Juego de Tronos, los investigadores señalan que han optado por bautizarle de esa manera más por el paisaje frío de Alberta en Canadá, y no por hacer referencia a ninguna serie.
'La casa de Dios' de Épila (Zaragoza) es una de esas expresiones artísticas creadas fuera de los límites de la cultura y una de las creaciones "más importantes" del llamado 'arte bruto'. Ahora es también un lugar abandonado que busca mecenas ante la indiferencia de las instituciones locales.
La experta norteamericana Jo Farb, quien lleva toda su vida dedicada al estudio de este género, llega este sábado a Zaragoza para alertar sobre el estado de conservación de este conjunto escultórico, catalogado como una de las muestras más importantes de arte bruto en el mundo.
Este concepto fue acuñado por Jean Dubuffet para referirse a lo que otros llaman arte marginal: expresiones artísticas creadas fuera de los límites oficiales por personas con alguna enfermedad psiquiátrica, o bien excluidas de la sociedad.
Pero Jo Farb, profesora del departamento de Arte e Historia del Arte en la Universidad Estatal de California, prefiere hablar de arte a secas, porque es un género "muy amplio". "El arte no sólo está en los museos", comenta a EFE.
Tras años de investigación, Farb ha creado el archivo más grande del mundo sobre preservación de entornos de este arte autodidacta dentro de su proyecto 'Spaces'. Un listado en que aparecen cuarenta y cinco artistas españoles.
La casa de cristal de Félix Sanpériz reconstruida con botellas de champán en Monesma de San Juan, cerca de Barbastro (Huesca), o la catedral de Justo en Mejorada del Campo en Madrid son algunos ejemplos que se suman a 'La Casa de Dios en Épila'.
Reconocida por los expertos a nivel mundial, pero ignorada por las instituciones locales, la conservación de este edificio corre peligro tras el fallecimiento en julio de 2018 de su creador, Julio Basanta.
Construido en el monte, el edificio puede verse desde la carretera que lleva hasta esta localidad de la provincia de Zaragoza. Hay que hacer un esfuerzo para no distraerse al volante, pues la forma de las figuras y el color que sobresalen del edificio lo ponen difícil.
Así lo reconoce también la experta Jo Farb, quien tuvo la oportunidad de conocer a Julio Basanta y hablar con él de su obra en varias ocasiones antes de su muerte. Es una obra "muy violenta" y "difícil de ver por el tema que trata".
Basanta, un albañil sin ningún tipo de formación, comenzó a decorar la fachada de su vivienda con figuras excéntricas hechas con material reciclado, hierro y cemento, a las que después añadía mucho color.
"Fue una forma de exorcizar los demonios que tenía dentro" tras el asesinato de su hijo en 1977 en el paseo del Canal junto a la antigua Fundición Alumalsa, en el barrio obrero de San José.
Su sobrino, Miguel Basanta, fue testigo directo de su obra. Desde pequeño vio cómo su tío daba forma a un conjunto único en el mundo, y al que hoy se acercan muchos curiosos. "Era un Dalí sin formación ni dinero", precisa.
La familia ha intentado en varias ocasiones recabar el apoyo del Ayuntamiento del pueblo sin éxito. "Siempre lo han visto como actos de gente loca o ilusa, y no ha habido especial interés por mantenerla", indica su sobrino Miguel Basanta.
Pero ahora encontrar esos mecenas es si cabe más urgente dado el estado de abandono de la casa, donde de manera ocasional vive la viuda del artista, una mujer de ochenta años.
Farb ha llamado a la puerta de asociaciones locales y culturales y ha pedido fondos también de fundaciones de Estados Unidos, mientras divulga la importancia de la obra con conferencias como la que este sábado impartirá en la Harinera de Zaragoza. "Confío en encender una chispa en la comunidad", señala.
"El Ayuntamiento tiene que entender que preservar este lugar es bueno para el pueblo, porque atrae muchas visitas", concluye.
Cometierra no se llama Cometierra pero es así como la gente la conoce. Echándose un puñado de arena a la boca es como consigue averiguar qué ha sido de los seres queridos, mujeres sobre todo, que sus familias buscan desesperados. A ella llegan después de que las autoridades no hagan su trabajo. Es la historia con la que la escritora argentina Dolores Reyes (Buenos Aires, 1978) vuelve a poner los feminicidios en el foco literario, pero con un estilo alejado de lo escabroso y más cercano a lo lírico. "Un libro a veces oscuro y triste y, sin embargo, vitalista porque esos jóvenes quieren vivir y tienen un montón de sueños, el libro muestra todo el potencial de esas vidas que se están perdiendo", explica Reyes. Después del éxito cosechado en su país, la editorial Sigilo publica ahora 'Cometierra' en España.
¿Tanta es la impunidad en los crímenes contra las mujeres que es una adolescente con visiones la que tiene más probabilidades de resolver y ofrecer justicia que el propio sistema judicial y policial?
En la acción policial y del Estado hay generalizado un desprecio hacia la vida de las mujeres. Generalmente, cuando se denuncia una desaparición, esa denuncia de las familias muchas veces se menosprecia. Hay contestaciones del tipo 'bueno, ya va a aparecer', 'se habrá ido con el novio', 'se fue a pasear', 'hay que esperar 72 horas'... No se busca a esa chica o a esa mujer en instancias en las que aún podría estar viva o en las que se podría cerrar una frontera o buscarla a conciencia. Incluso muchas veces hay un millón de atenuantes para los feminicidas, no se les castiga. No creo que alcance con un castigo penal pero al menos sería necesario dejar de dar este mensaje enorme de impunidad.
En cuanto al tratamiento que hago de esto en la novela me parece que sí, que todos los familiares primero van al Estado, intentan la vía policial y racional, y cuando ven que no tienen una respuesta adecuada acuden a esta suerte de vidente que los lleva más allá en la búsqueda.
En tu novela habla de ese desprecio y también de cómo se mezcla con la clase social y la pobreza. Muchas de las personas que acuden a Cometierra viven en barrios muy humildes y que parecen sufrir aún más el silencio y la inacción de las administraciones.
El desprecio pasa por el silencio y por la violencia hacia los cuerpos. La violencia de género atraviesa todas las clases sociales, pero en las zonas con más carencias existe muchísima más violencia, se añaden la violencia de la explotación, de las condiciones precarias de vida, de las familias totalmente fragmentadas y con jóvenes dispersos que se agrupan como pueden para seguir adelante. También pasa por el tema de la difusión. Aquí ha habido feminicidios muy renombrados de clases altas, pero más que mal se pudieron discutir y analizar, si bien hubo intentos de mentir y de cubrirlo, incluso de alterar pruebas, al final hubo un debate social. En cambio, en zonas con más carencias eso queda silenciado y es raro que llegue a medios. Ahí es más fácil aún que quede en la impunidad y en el olvido.
Entiendo que la escritura del libro coincide con el 'Ni una menos' que nace justo para denunciar esa impunidad y exigir soluciones. ¿En qué manera le influyó ese ambiente?
La mirada puesta hacia la vida de las mujeres era una obsesión previa, siempre me interesó el tema de las matanzas, de las desapariciones, de esos cuerpos que son robados de los seres queridos y que no vuelven y también la figura del familiar que se queda buscando. Nosotros tenemos una larga trayectoria de robo de cuerpos, de entierros en fosas comunes sin identificaciones. Yo nací en el 78 y de alguna forma fui creciendo con esa historia, por eso hay como una sensibilidad y un material social que proviene de ahí. Después termina de ser una coincidencia que justo en el epicentro de las organización de las asociaciones de mujeres coincida con la salida de Cometierra.
A pesar de lo duro de las historias, el libro no se recrea en la violencia, es más, casi la evita. ¿Es adrede el buscar otra forma de contarlo, el no centrarlo en la sangre y lo escabroso?
Ese detalle morboso y esa forma de narrar tiene que ver con toda una presencia de los feminicidios en las artes, que es un tema presente pero siempre narrado desde las masculinidades y hay como un regodeo morboso en eso, hay una estetización que yo no quería. Siempre tuve presente que yo quería narrar eso desde otra perspectiva que tiene que ver con la mirada de las víctimas, por eso está dedicado a ellas. Me parece que el tema no es nuevo, lo nuevo es salirse de esa lógica y discurso masculino sobre el cuerpo de las mujeres.
Sobre la violencia sexual concretamente, vivimos un dilema. Estamos rompiendo el silencio como nunca antes sobre esa violencia que sufrimos las mujeres, ¿pero cómo hacer compatible esos relatos que encontramos ahora tan frecuentemente con una vida en la que no tengamos siempre miedo?
Sí, eso es muy tremendo. De alguna forma acercarse a la violencia genera miedo y justo la disciplina que impone el patriarcado es por vía del miedo. Cada feminicidio es un mensaje para todas. Por otro lado, el silencio que se nos ha impuesto nos ha traído un montón de micro violencias que son invisibilizadas. Me parece que el silencio no es el camino para enfrentarse a ello, sino la discusión, el debate de cómo hacerlo. La literatura lo que puede hacer no es revertir, no es la solución al problema pero sí puede sensibilizar, puede romper la indiferencia, detener al lector en una problemática.
Para terminar, como activista por el derecho al aborto, ¿cree que las elecciones que se celebran en Argentina a finales de octubre darán lugar a un Congreso que finalmente dé el sí a ley del aborto próximamente?
Soy militante por el aborto legal desde los 14 años en distintas organizaciones. Lo que se abre ahora después de un tiempo enorme de lucha es al menos la posibilidad de debate que se nos negó durante años. Se presentaba la ley y nunca se debatía, ahora hay una suerte de consenso social sobre el aborto legal, que es una necesidad médica y de salud hacia las mujeres. Todos los días mueren en Argentina víctimas del aborto clandestino. Ahora a los políticos que se postulan se les pide que se posicionen en torno a este debate, que se va a seguir dando y que nosotras sabemos que en algún momento se conseguirá.
Tras la caída del muro de Berlín, los artista del este alemán fueron despreciados, marginados, olvidados y, también, insultados. "No hay ni un solo artista en la RDA", llegaba a decir el pintor Georg Baselitz, una prestigiosa voz del arte germano originaria del este alemán, lo que otrora fue la Alemania comunista. Baselitz pronunciaba esa sentencia en una entrevista a una revista especializada en 1990, cuando ya había hecho carrera internacional. Solo matizaba su conclusión apuntando que, si en la RDA hubo artistas, estos eran unos "cabrones" [sic].
Aquellas palabras desencadenaron lo que se ha llamado en Alemania el 'Bilderstreit' o "la pelea de pinturas". En ella, la Alemania del oeste se enfrentaba a la Alemania del este por una cuestión: ¿Era arte lo que que durante décadas crearon los artistas de la RDA? La pelea argumental comenzaba apenas un año después de la caída del muro de Berlín, de la que este año se cumplen justo tres décadas. Terminó hace poco, muy poco.
La primera prueba de que esa discusión cultural acabó en beneficio de los pintores de la RDA es la muestra que hace unos días abría sus puertas en la ciudad sajona de Leipzig (este germano). Point of No Return (Punto Sin Retorno) se llama la exposición que acoge estos días el Museo de las Artes de Leipzig. A través de unos 300 lienzos, se exhiben varias generaciones de destacados artistas activos en tiempos de la RDA y después de la revolución pacífica con la que cayó el comunismo. El trabajo de un total de 106 pintores se exhibe en este centro.
En muchos sentidos, sus obras y sus nombres quedan rehabilitados a través de la muestra. Se les reconoce, en contra del veredicto de Baselitz, como auténticos artistas. Es la primera vez que una exposición presenta así a los creadores de la RDA tras la Bilderstreit. "Los artistas del este alemán hasta ahora no estaban valorados por el mercado del arte ni por las instituciones museísticas del oeste alemán", dice a eldiario.es Paul Kaiser, director del Instituto de Dresde para los Estudios Culturales y uno de los comisarios de la exposición.
Gracias a esta muestra, a "los artistas del este alemán se les valora y se les considera artistas y no meros vehículos de proclamas políticas", comenta Kaiser. La pintora Doris Ziegler es uno de los mejores ejemplos de artistas reconocidos tras 30 años de olvido. En Point of No Return sus obras ocupan ellas solas una habitación. Son pinturas que nunca antes se habían visto.
"En 1988, ella comenzó un ciclo de obras en las que observaba cómo empezó y cómo tuvo lugar la revolución pacífica de 1989, y también lo ocurrido después hasta 1994", explica Kaiser. Él reconoce que solo ahora, casi 30 años después de la Reunificación, empieza a haber un interés por esta pintora natural de Weimar afincada en Leipzig. "Ahora, gracias a la exposición, preguntan por ella los coleccionistas y los responsables museos. Es increíble que hagan falta 30 años para descubrir que hay una artista como ella", sostiene Kaiser.
Las obras más destacadas de Zeigler tienen el foco puesto en los años de la transición a la democracia del este alemán. Muchos de los lienzos mostrados en Leipzig abordan aquella época, especialmente traumática para los creadores de la RDA. Conviene recordar, como hacer Kaiser, que con la Reunificación "en los museos se mostraba arte de alemanes del oeste, o artistas internacionales, pero no los artistas del este alemán".
Incluso ahora una muestra como Point of No Return puede verse, dentro de Alemania, como un viaje a lo desconocido. "Para los Alemanes del oeste y los nacidos después de la Reunificación esto debe ser principalmente y con toda probabilidad una excursión a una territorio minado amenazante, ajeno y extraño", apuntaba el escritor Peter Richter en el periódico Süddeutsche Zeitung a cuenta de la exposición de los pintores del este. Para Richter, natural de Dresde, la capital de Sajonia, las personas que en su día "socializaron en la RDA" pueden reencontrarse en Leipzig con cuadros que "en otro tiempo significaron algo".
Artistas por fin reconocidos
Desde un punto de vista artístico, esas obras, salidas en muchos casos de las propias colecciones de los pintores, empiezan ahora a ganar otro significado. "La exposición muestra imágenes que no tienen nada que ver con el proyecto comunista, sino con la autonomía estética de los pintores y el arte que fue posible en la RDA y después. Son pinturas de arte alemán, pero del este alemán", defiende Kaiser.
Buena parte de los artistas representados en Leipzig forman parte de la disidencia artística que, a su manera, se enfrentó al régimen comunista. "El Estado, el aparato de seguridad del Estado y la represión; esos eran los enemigos de estos artistas, en esto estaban unidos", plantea Kaiser. La obra del pintor Jürgen Schäfer en la que una estatua indefinida descansa sobre un hombre arrodillado parece decir mucho sobre la relación entre el estado y la ciudadanía durante la RDA.
Según Kaiser, la labor de los artistas expuestos en Leipzig fue fundamental para la transición a la democracia. Sin embargo, este trabajo no ha estado reconocido en el relato de la Reunificación. "Existen muchas formas de disidencia. Hay una forma de disidencia como la oposición política que empezó ser activa y visible en la RDA muy tarde. En Polonia y en Hungría, por otro lado, la actividad de esta oposición era más notoria desde mucho antes. En la RDA no ocurrió así. Este tipo de oposición existió sobre todo al final. Pero hubo una oposición cultural al régimen. Y esto los mostramos en la exposición", expone Kaiser.
Con esta óptica hay que ver, por ejemplo, el retrato del anarquista que firmara entre 1989 y 1990 Hubertus Giebe. Este pintor se inscribe en la tradición crítica que abrazó la "Perestroika". "En la RDA se recibió muy bien la 'Perestroika' de [Mijaíl, ndlr.] Gorbachov. Entonces empezaron a producirse en la escena del arte obras y espacios para crear pensando, no en la destrucción del socialismo, sino en su liberalización, en su democratización. Se buscó la revolución desde dentro de las estructuras del Estado", apunta Kaiser.
Víctimas de la transición a la democracia
Giebe y Johannes Heisig son dos claros exponentes de esta disidencia dentro del comunismo de la RDA. En modo alguno se puede decir que hubo una transposición de sus ideas a la realidad política del este alemán, pero Giebe y Heisig tuvieron suerte. Pudieron seguir creando sin sufrir penurias. Ambos tuvieron trabajo, entre otros, como profesores en la Escuela Superior de Bellas Artes de Dresde. Por su parte, Zeigler también fue afortunada. Ella ha mantenido su carrera como pintora porque ha sido profesora, entre 1993 y 2014, en la Academia de Arte Gráfico y Editorial de Leipzig.
A menudo, los artistas del este alemán sufrieron "situaciones económicas amenazantes para sus vidas tras la revolución pacífica de 1989", según Kaiser. "Antes de la transición tenían problemas políticos con el Estado, porque se decantaban por la libertad. Pero después de 1990 tenían un problema con la economía, porque el nuevo Estado y el nuevo mercado del arte marginó su obra", abunda el comisario de la muestra.
Que estos artistas no han tenido recorridos existenciales fáciles es algo que se intuye en el tono de las obras expuestas estos días en el Museo de las Artes de Leipzig. Especialmente en los años ochenta, "la situación de la sociedad era de agonía, esto se reconoce claramente en los cuadros", cuenta Kaiser.
Los personajes que representa Norbert Wagenbert en uno de sus lienzos, donde un hombre y una mujer luchan por salir de una superficie gris, resume en buena medida cómo muchos alemanes del este – especialmente los artistas – vivieron la caída del comunismo. Aquello fue una liberación dolorosa. "Muchos celebraron la caída del muro de Berlín y participaron en su caída. Trabajaron contra el Estado. Pero las nuevas condiciones sociales tampoco les gustaron, entre otras cosas porque ellos, en ese nuevo mundo, no habían sido aceptados como artistas", concluye Kaiser.
Es una casualidad casi poética que The Legend of Zelda: Link’s Awakening comparta día de lanzamiento con la Nintendo Switch Lite, ya que -en muchos sentidos- supone el broche de un ciclo: si bien el clásico de Game Boy supuso el primer juego de Zelda para una consola portátil, su remake simboliza el hecho de aunar el futuro legado de la propia saga en un único sistema.
Dicho lo anterior, merece la pena hacer un inciso importante: Link’s Awakening no nació como un proyecto llamado a ampliar el alcance de The Legend of Zelda a través del éxito de las portátiles de Nintendo, sino de una iniciativa muy personal. Una visión compartida por el equipo creativo más singular de la Gran N.
Link’s Awakening nació como un proyecto desarrollado en horas libres y sin la aprobación o el conocimiento de la propia Nintendo. Una iniciativa que se les fue de las manos. ¿El resultado? Un título cuyo legado se extiende en cada una de las entregas de Zelda que le ha sucedido. Así hasta nuestro días.
Eso sí, pese al carácter experimental del proyecto, sería injusto no partir de los dos títulos que asentaron el tono de la aventura insular de Link. Uno de ellos, The Legend of Zelda: A Link to the Past, es terriblemente evidente. El otro, el inédito en occidente Kaeru no Tame ni Kane wa Naru, no tanto.
Un experimento muy especial
A la hora de establecer un origen en lo referente al desarrollo de The Legend of Zelda: Link’s Awakening tenemos que irnos al proceso de diseño de A Link to the Past. O, más bien, las ideas descartadas del legendario Takashi Tezuka.
Tezuka, máximo responsable de las series Super Mario o Zelda junto con el propio Shigeru Miyamoto, planteó la posibilidad de que el jugador no tuviese que llevar siempre la espada, abriendo la puerta a que el jugador combinase diferentes armas y objetos durante la experiencia.
La saga The Legend of Zelda no tenía por entonces unos patrones realmente definidos como los que hay hoy en día. Es más, las diferencias entre la experiencia de juego de la primera y la segunda entrega en NES eran enormes. El juego de SNES buscaba recuperar todo lo que gustó del Zelda original y, desde ahí, definir una identidad propia.
Motivos por los que Link, como en las dos entregas anteriores, siempre llevaría espada en A Link to the Past.
Tezuka comenzó a trabajar como director en A Link to the Past cuando ya estaba bastante avanzado, uniéndose al resto del equipo aproximadamente a medio proyecto. Sin embargo, incluso con el juego ya terminado, al creativo de Nintendo no se le habían quitado las ganas de continuar explorando la saga de Zelda. Más bien todo lo contrario.
Tampoco lo recuerdo, pero creo que fue porque había un montón de cosas que queríamos hacer. Quizás me sentía así porque me había unido al proyecto de A Link to the Past a mitad del camino y aún tenía ganas de más.
Afortunadamente, Tezuka no era el único. En sus horas libres Kazuaki Morita estaba experimentando con un kit de desarrollo de Game Boy. Simplemente jugueteaba, sin más. Coqueteaba con la idea de cómo sería un Zelda adaptado al hardware de la portátil e incluso daba forma a pequeñas experiencias, como un juego de pesca que, con el tiempo, sería el primer mini-juego de pesca de la saga.
¡Ésa es la razón de que sus juegos de pesca estén tan cuidados! Utilizó el único equipo de desarrollo para Game Boy que teníamos por aquel entonces para recrear algo parecido a un juego de Zelda.
Incluso a día de hoy, los juegos de pesca son un elemento recurrente en los títulos de Zelda para consolas de sobremesa. Pero fue el que Morita creó para Link’s Awakening el que comenzó todo esto.
Como más tarde admitiría Toshihiko Nakago, Morita es la clase de persona que hace juegos de pesca incluso sin que se lo pidan.
Dicho lo anterior, la realidad es que Nintendo no tenía planeado hacer un juego de Zelda para la Game Boy. Sin nada que perder, Tezuka y Morita pensaron que era buena idea intentarlo. Ver lo que podía hacerse con la portátil de Nintendo y si un juego de Zelda podría funcionar en ella.
Así, durante las horas laborales, ambos se dedicaban a sus respectivos proyectos, mientras que dedicaban su tiempo de ocio a dar forma a su Zelda para Game Boy como si fuese, palabras textuales, una actividad extraescolar.
Llegados a este punto merece la pena poner un concepto sobre la mesa: con el ritmo de producción actual en cuestión de videojuegos, este tipo de iniciativas no serían viables en los tiempos actuales. Por aquel entonces los tiempos de desarrollo eran mucho más cortos y los plazos de lanzamiento mucho más holgados.
Así, y a modo personal, más y más creativos de Nintendo se fueron sumando a aquella iniciativa casi desinteresada. ¿El motivo? En aquél desarrollo todos se lo estaban pasando muy bien.
No podríamos haberlo hecho así en estos tiempos, no. En fin, cuando lo estábamos desarrollando, y pese a que era monocromático, nos dimos cuenta de que estaba quedando fantástico. Era la primera vez que desarrollábamos para la Game Boy, y nos estábamos divirtiendo de lo lindo.
También es cierto que, pese a que era la primera vez que ese particular equipo se enfrentaba al hardware de Game Boy, contaron con el impulso extra en lo relativo a lo técnico: el juego Kaeru no Tame ni Kane wa Naru, cuya traducción vendría a significar “Por la rana doblan las campanas”.
Kaeru no Tame ni Kane wa Naru no solo ayudó a asentar la identidad visual del juego que sería A Link to the Past, sino que se usó un motor similar para el proyecto.
Tezuka y su equipo tomaría prestadas algunas ideas extra de aquel pintoresco RPG de ranas, como las fases en scroll lateral,lo cual acabaría siendo uno de los elementos más característicos del primer Zelda de Game Boy, aunque no sería el único guiño que veríamos en la versión final del juego: el príncipe Richard, uno de los protagonistas principales, tendría un papel a medida en la aventura de Link.
Visto en perspectiva, el modo en el que continuó el desarrollo de Link's Awakening fue una serie de afortunadas coincidencias atadas por el ilimitado talento en Nintendo. Casi un milagro si tenemos en cuenta que el objetivo inicial de Tezuka y su equipo, cuando decidieron apostar fuerte por la iniciativa, era adaptar A Link to the Past a Game Boy.
Deconstruyendo, reimaginando y estableciendo la saga de The Legend of Zelda
La implicación de Shigeru Miyamoto en Link’s Awakening no fue la misma que en las tres entregas anteriores, incluso cuando Nintendo dio el visto bueno a desarrollar un Zelda para Game Boy. No se trata de algo excepcional, ya que -incluso por entonces- todos los departamentos y equipos de Nintendo son conscientes del enorme volumen de trabajo del padre de Mario y Link. Y de que éste no puede estar en todos lados a la vez.
Miyamoto tiende a priorizar en un momento determinado un proyecto sobre todo lo demás. Y mientras está ocupado con ese asunto, deja que el resto haga un poco lo que quiera.
Por aquél entonces Miyamoto estaba supervisando varios juegos de manera simultánea, lo cual no impidió que, pese a no haber formado parte del equipo creativo, ejerció de productor participando muy activamente en la fases definitivas del diseño. Es más, el genio japonés tuvo una enorme influencia durante los testeos.
Sin embargo, que Miyamoto no formase parte de aquél proyecto abrió interesantes puertas al equipo de Tezuka. Entre ellas, la posibilidad de experimentar con varias de las ideas que se quedaron en el tintero de A Link to the Past, pero también experimentar con cosas totalmente diferentes.
Desechada la idea de adaptar el Zelda de SNES a Game Boy, se buscó que la cuarta entrega de la saga fuese muy diferente, única, ya que aquello les serviría para seguir derrochando todos aquellos experimentos que seguían brotando desde el equipo creativo. Incluso permitirse integrar otras estrellas de la casa como Mario, Yoshi o los Goombas.
Recuerdo que creamos Link’s Awakening en un estado mental algo peculiar. Comenzamos con un espíritu muy libre, de actividad extraescolar, así que el contenido es algo desenfrenado. Si se examina atentamente, resulta claro. Aparecen personajes similares a Mario y Luigi además de muñecos Yoshi .
¡Es verdad! [Kazuaki Morita] hacía lo que le venía en gana y decidió que uno podía agarrarse a un Chomp y caminar con él, aunque antes hubiera sido su enemigo, y hacerle comer algunas flores frente a una mazmorra.
Para encauzar ese torrente de ideas se dió un paso adelante: Link’s Awakening sería el primer juego de Zelda en tener una trama argumental. Una enorme responsabilidad que recaería en Yoshiaki Koizumi, quien no solo se dedicaba al trabajo artístico sino que hizo las ilustraciones y aperturas del juego.
Podría parecer una locura, pero el equipo de Tezuka sabía muy bien lo que hacía: Koizumi Koizumi había comenzado a trabajar en Nintendo uno o dos años antes y provenía de estudios de animación como la Toei Animation. Durante su tiempo en la compañía había diseñado personajes para juegos de Mario. Sin embargo, más allá de sus dotes para el dibujo, era un romántico y un soñador.
Nos pareció que podría ser bueno creando historias, así que le convencimos para que tomara parte en nuestra actividad extraescolar.
Koizumi estaba a cargo de la animación de apertura y la historia principal . Es un romántico y creo que eso se nota en Link’s Awakening. Se ocupó de que el argumento fluyera.
Con esa estupenda predisposición y en esas circunstancias era natural que Link’s Awakening fuese adquiriendo su propia identidad. En la isla de Koholint no estaba en juego el destino de Hyrule, ni tampoco veríamos a la princesa Zelda o el malvado Ganon. Es más, veríamos personajes del Reino Champiñón, así como unos habitantes muy particulares cuya creación se inspira en la que fuese la serie de moda: Twin Peaks.
[Tezuka] Quería que Link’s Awakening se pareciese a Twin Peaks. Por aquel entonces, Twin Peaks era muy popular. Toda la serie giraba en torno a un número reducido de personajes en un pequeño pueblo.
Así que cuando nos pusimos con Link’s Awakening, quería crear algo similar, de alcance relativamente pequeño para que fuese más fácil de comprender, pero con unos personajes muy profundos e inconfundibles.
Después, en Ocarina of Time y Majora’s Mask, aparecieron muchísimos personajes sospechosos. Yo no les dije que los crearan a propósito así, pero personalmente, lo encontré muy interesante.
Pero no todas las inspiraciones de Link’s Awakening fueron cosecha propia o basadas en aquel serial de los 90: Kensuke Tanabe introdujo el sistema de trueques en el Zelda de Game Boy inspirándose en la fábula del millonario de la brizna de paja un cuento budista japonés en el que un humilde viajero con una simple brizna de paja consigue casarse y una generosa fortuna a través de una serie de afortunados trueques.
Sin embargo, y a pesar de todo, lo más singular de Link’s Awakening es que, según Tezuka, a diferencia de la gran mayoría de los juegos de la saga de The Legend of Zelda no hubo ningún tipo de problema o retraso.
No recuerdo ningún problema. Recuerdo que fue muy divertido trabajar en este proyecto y cuando llegó a su fin, solíamos hablar de lo entretenido que había resultado. Casi como despertarse de un sueño.
Quizás fuese un proyecto experimental, pero es incuestionable la deuda que Ocarina of Time y todos los juegos de la saga de The Legend of Zelda que vinieron después tienen con Link’s Awakening. Lo cual no implica que Nintendo haya actualizado, pulido y expandido la aventura con el paso de los años.
La acogida de Links Awakening, su edición Deluxe y un remaster de ensueño
Quizás su desarrollo se inició como un proyecto extraescolar, pero el debut de Link en las consolas portátiles se promocionó como lo que realmente era: la cuarta entrega de the Legend of Zelda. Y eso -incluso en 1993- ya eran palabras mayores.
Pese a todo Nintendo se enfrentaría a una inusual incógnita: ¿Cómo reaccionarían los fans a un Zelda sin Zelda y con tantos elementos inusuales?
La crítica no tardó en rendirse a Link’s Awakening. Algunos lo coronaron como el mejor videojuego de Game Boy en 1993 mientras que otros elogiaban la enorme profundidad e innovaciones de esta nueva entrega, incluso tratándose de un juego portátil. Y el público no tardó en llegar a las mismas conclusiones.
Años después, la Gran N eliminaría todos los puntos flacos de Link’s Awakening fruto de las limitaciones del hardware de la portátil de Nintendo con una versión Deluxe para Game Boy Color que llenaba de color la isla de Koholint al tiempo que corregía fallos, daba uso a la Game Boy Printer y, como mayor extra, añadía una mazmorra totalmente nueva.
Había pasado un lustro desde el lanzamiento original de Link’s Awakening y Ocarina of Time elevaba las aventuras del Héroe de Hyrule a la categoría de saga de culto, lo cual no impidió que la relanzada versión Deluxe de Game Boy Color demostrase que aquellos sencillos sprites se habían ganado la catalogación de clásico atemporal.
Y, por supuesto, la entrada al olimpo Nintendero.
Lo cual nos deja ante una situación realmente singular: 26 años después, y por segunda vez en la actual generación, Nintendo vuelve a apostar por aquel Link que sobrevivió a un naufragio para dar la bienvenida a su sistema portátil.
Eso sí, hay que admitir que el paso del tiempo le ha sentado de maravilla a Koholint.
Nintendo reimaginó por completo el clásico de Game Boy manteniendo su espíritu intacto y añadiendo un enorme lote de mejoras y secretos al conjunto. Un título de compra obligada para los nostálgicos y aquellos que quieren abordar la saga.
Pero, sobre todo, el mejor reflejo de lo que hizo The Legend of Zelda: Link’s Awakening tan especial: demostrar que el éxito no proviene de una fórmula matemática, es el fruto de los apasionados, los inconformistas y los soñadores.
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